Composition avec des instruments virtuels
En 2015, j’ai commencé à étudier sérieusement la composition musicale. Je travaille actuellement sur des adaptations de mélodies des périodes de la Renaissance, du baroque et du classicisme. À plus long terme, j’espère pouvoir passer à la création de compositions musicales.
Mon travail s’inscrit dans la lignée des œuvres produites principalement entre 1500 et 1900, en utilisant la plupart des conventions classiques.
Que fais-je ?
Dans un premier temps, j’acquiers les compétences qu’un compositeur apprenait au début du XVIIIe siècle.
Pour cela, je choisis des morceaux de musique qui me sont familiers. J’analyse leur structure et j’expérimente diverses variations afin de saisir l’essence de la mélodie. Cela m’inspire de nouvelles mélodies dans le style d’origine, que je peux ensuite transposer dans un style plus familier, en vue d’une interprétation ultérieure de cette pièce ou d’un morceau similaire.
Mais la grande différence réside dans les étapes suivantes.
Tout mon travail s’effectue sur des « instruments virtuels », ce qui n’est pas toujours facile.
À l’heure actuelle, seuls certains instruments sont facilement disponibles pour une émulation réaliste. Il s’agit des claviers courants et de certains instruments à vent, à percussion et à cordes pincées. De la Renaissance à l’époque classique, les instruments les plus fréquemment utilisés étaient les clavecins, les pianos, les harpes, les guitares/luths, les flûtes et certains instruments à vent. Certaines adaptations pour orgues sont également disponibles. En règle générale, les violons, altos et violoncelles synthétiques, ainsi que de nombreux cors, trompettes et voix humaines, restent peu satisfaisants sans modifications locales spécifiques.
La deuxième partie est le « mastering ». Il s’agit d’une procédure délicate et relativement technique. Il m’a fallu de nombreuses années pour en comprendre et en appliquer correctement tous les aspects.
Dans un premier temps, les partitions écrites produites par MuseScore, Finale, Sibelius ou Dorico nécessitent souvent un travail supplémentaire au niveau de la vélocité et du rythme. Les indications de dynamique (mp, mf, f etc.) et de tempo (souvent en noires ou en blanches) doivent être fournies pour chaque partie de la partition. De plus, lorsque je travaille à partir de partitions écrites, je peux recourir à des transpositions mieux adaptées à mes instruments ou à la composition originale.
Ensuite, mon travail se poursuit sur une digitale audio workstation qui transforme la musique en vue de sa diffusion au public (une DAW utilisée pour le « mastering d’un enregistrement »). Beaucoup souhaitent automatiser cette étape, mais jusqu’à présent, les résultats se sont avérés décevants.
Une station de travail audio offre les principales améliorations suivantes : (1) le positionnement géographique des instruments au sein de votre espace acoustique, (2) des améliorations dans le domaine fréquentiel qui mettent en valeur certaines régions notables et privilégiées, tout en conservant d’autres régions suffisamment audibles. (3) Cela implique souvent de définir des préférences dynamiques dans le domaine spectral. Cela permet à certains instruments d’« acquérir une plus grande présence acoustique » en renforçant temporairement leur région spectrale. (4) En ajustant de manière adéquate la duration des notes, en conjonction avec la dynamique locale, (5) en allongeant ou en raccourcissant la duration entre les notes, de manière à créer un paysage sonore crédible, (6) en définissant des paramètres de réverbération appropriés entre le « dry » et le « wet ». Le « son wet » désigne un signal traité utilisé pour apporter la profondeur et la distance souhaitées à votre instrument, tandis que le « son dry » correspond au signal original non traité, (7) et par la protection des harmoniques, afin de réduire les risques de sons extrêmement aigus ou extrêmement graves, ou de combinaisons de sons conflictuelles.
Jusqu’à présent, je n’ai trouvé aucun instrument capable d’effectuer toutes ces manipulations automatiquement ; je procède donc à ces ajustements séparément pour chaque composition.
Voilà en bref le travail de conversion DAC requis pour chaque composition.
Pourquoi ?
NeoClassix est un service entièrement gratuit que je promeus pour les raisons suivantes.
1. Des créations musicales originales. Par exemple, les mélodies originales de Turlough O’Carolan étaient de courts airs, souvent d’une page ou moins. À partir de là, j’ai créé et publié un ensemble de compositions complètes.
2. Des compositions méritoires mais peu connues. Parmi les exemples présentés sur mon site web, on peut citer : les toutes premières compositions d’Antonio Vivaldi, des sonates triées sur le volet parmi les 555 œuvres de Domenico Scarlatti, et des œuvres rarement entendues de John Dowland.
3. L’utilisation des meilleurs instruments virtuels compatibles avec le web. Pour NeoClassix, les partitions écrites sont lues, analysées puis transposées sous forme musicale. Cela nécessite souvent beaucoup de travail et d’expérimentation avant de parvenir à une interprétation agréable.
NeoClassix utilise le meilleur équipement musical disponible.
4. Le mastering. Comme NeoClassix travaille à partir de partitions écrites, une préparation très minutieuse est nécessaire. Cela diffère considérablement de l’enregistrement musical traditionnel. Dans notre cas, les instruments doivent traduire une série de symboles musicaux en texte audible. Cela implique une série de dépendances séquentielles qui diffèrent selon qu’il s’agit de la production de une à quatre voix ou de la réalisation d’un ensemble orchestral complet.
Nos instruments sont assez limités. Les enregistrements sonores du luth à la radio, par exemple, peuvent utiliser des configurations de microphones spéciales, alors qu’il existe peu, voire aucun instrument utilisable pour simuler un luth virtuel. Nous devons recourir à des instruments simulant une guitare classique, et après des recherches approfondies, je me suis retrouvé limité à un ou deux types de guitare pouvant servir à nos simulations de mastering.
5. L’avenir. Notre approche se limite à un certain ensemble d’outils compatibles avec la technologie actuelle. C’est ce que nous utilisons actuellement chez NeoClassix. Cela changera-t-il radicalement dans un avenir proche ? Non, même si nous avions accès à bien plus de ressources, cela ne changerait probablement pas grand-chose. Compte tenu de la situation actuelle, des changements majeurs dans la technologie virtuelle sont plus probables d’ici une dizaine ou une vingtaine d’années.
Pourquoi « Neo » et pourquoi « Classix » ?
« NeoClassix » l’explique clairement. J’ai le choix. Soit je crée un enregistrement moderne avec autant de distinction et de vitalité que possible grâce à mes meilleurs outils audio disponibles. Même si la partition originale a été écrite entre 1500 et 1900, mes enregistrements, réalisés au XXIe siècle, peuvent sonner très différemment de ce que les compositeurs d’origine auraient pu produire avec leurs propres instruments (par exemple, ce que Mozart entendait avec son piano d’époque, ou ce que F. Sor entendait avec ses guitares d’époque). C’est la logique fondamentale qui sous-tend « NeoClassix » et que vous retrouverez tout au long de mon site. Cela correspond également au souhait de la majorité de mes auditeurs.
Par ailleurs, je dispose de quelques outils — deux simulations de clavecin et une simulation d’orgue — qui me permettent de créer des sons qui auraient pu exister à l’époque d’origine. Outre les versions pour clavecin de Vivaldi, vous souhaiterez peut-être écouter les enregistrements de J.S. Bach, réalisés à l’aide d’une simulation d’orgue moderne. Ces enregistrements peuvent être considérés comme des « échos crédibles du passé », c’est-à-dire des créations dont les compositeurs auraient eux-mêmes pu entendre des interprétations très similaires.
La norme des 440 Hz
D’un autre point de vue, il convient d’aborder le passage de 432 Hz (etc.) à 440 Hz.
La fréquence de 440 Hz a été normalisée en 1955 par l’Organisation internationale de normalisation (ISO) et officialisée en 1975 sous la référence ISO 16. Elle est désormais la fréquence de référence par défaut dans le monde entier.
Les fréquences de référence antérieures ont fait l’objet de diverses études approfondies. Celles-ci mettent en évidence une grande variété de tonalités dominantes qui étaient en usage au XIXe siècle et dans la première moitié du XXe siècle.
Mais pourquoi la fréquence de 440 Hz est-elle devenue une norme aussi dominante ? Une application importante et courante a été l’essor de la production industrielle d’instruments à vent après la Seconde Guerre mondiale. Par exemple, les flûtes, clarinettes, hautbois, bassons, cors, trompettes et trombones industriels doivent tous être fabriqués selon une fréquence de référence fixe. Celle-ci est désormais généralement de 440 Hz ; il est toujours possible de fabriquer des instruments à vent dont la fréquence n’est pas de 440 Hz, mais ils ne présentent tout simplement aucun intérêt commercial.
Est-il possible de « revenir » à 432 Hz (ou à d’autres fréquences de base) par des moyens électroniques ? Oui, je l’ai essayé à plusieurs reprises, notamment avec les mélodies de Turlough O’Carolan. Mais les résultats de ces expériences étaient très clairs : la version à 440 Hz était plus puissante, plus « accrocheuse » et plus « captivante » que la version à 432 Hz.
Pour mon propre choix « NeoClassix », je suis donc généralement resté sur la version à 440 Hz.
La norme MP3 face aux formats sans perte
En 2024 et 2025, nous avons expérimenté le format sans perte FLAC, qui était alors à la pointe. À partir de 2026, nous avons décidé de revenir exclusivement au format MP3. Cela a eu les effets suivants :
-- Une version pleinement satisfaisante d’une mélodie, enregistrée en MP3 selon les meilleures normes techniques, ne se distingue pratiquement pas, en termes de qualité perçue, d’un enregistrement FLAC sans perte.
-- Pourtant, notre MP3 « meilleure qualité » n’utilise que 320 kbits pour ses enregistrements à 44,1 kHz, tandis que notre enregistrement FLAC utilisait pas moins de 3 072 kbits à une fréquence d’échantillonnage de 1 920,0 kHz. Compte tenu de la différence minimale de qualité perceptuelle que nous constatons, cet énorme effort supplémentaire pour un format sans perte semblait injustifié.
-- Le prix de cette expérience s’est traduit par une complication supplémentaire pour l’utilisateur et par un surcoût considérable pour nous, les fournisseurs. Il s’agissait d’une expérience intéressante, mais qu’il ne faut pas prolonger inutilement.
-- En interne, dans le cadre de nos préparatifs pour le DAC, nous continuons à utiliser le format FLAC. Le format MP3, plus efficace, n’est utilisé qu’à des fins web externes.
Profitons des solutions efficaces dont nous disposons actuellement.
Eric Keller
2026